畫家的畫是什麼結構?

《畫》字是什麼結構

【字】畫

【筆畫】8

【部首】凵

【結構】半包圍

【組詞】畫家 畫畫

【造句】畫幅雖然不大，所表現的天地卻十分廣闊。

畫家有什麼用?

達芬奇 作為文藝復興時期作卓越的代表人物達芬奇的成就和貢獻是多方面 的.達芬奇出生在佛羅倫薩附近的一個小鎮 芬奇鎮.他小時侯曾經拜佛羅基 奧為師佛羅基奧首先讓他練習畫蛋一畫就是幾年然後才開始教他作畫.由 於達芬奇打下了堅實的素描基礎後來終於成為一代宗師. 凡．高 凡高是荷蘭人但長年生活在法 國是後印象派的重要的畫家.和他 的同胞倫勃朗一樣凡高也喜歡為自 己畫像

丁託列託 丁託列托出生在威尼斯是一個染坊主的兒子.他長期生活在故鄉用畫筆裝飾城市的庭院和教堂.他曾拜師提香追求提香般絢爛的色彩和米開朗基羅般結實的形體是他的目標.

畢加索 畢加索西班牙人自幼有非凡的藝術才能.他的父親是美術教師又曾在美術學院接受過比較嚴格的繪畫訓練具有堅實的造型能力. 他一生中畫法和風格幾經變化分為這樣幾個時期: 藍色時期" 玫瑰紅時期" 黑人時期"

高更 高更是法國後期印象派三大巨匠之一.他起步較晚早期的畫追求形式的簡化和色彩的裝飾效果但還沒有擺脫印象派的手法.他不但對埃及古代繪畫很感興趣而且嚮往仍處於原始部落生活的土人們的風習和藝術.被稱為原始人產最高典型.

列 賓 俄羅斯寫實主義繪畫大師列賓與法國繪畫巨匠莫奈，同為19世紀後期歐洲美術史上，引人注目的重要級人物。他們的藝術在歐洲的東西部，各領一方風騷，影響力延伸到整個20世紀。

盧 梭 由素人畫家躍居為近代樸素繪畫大師的盧梭，是一位自學成功的典型畫家。他的作品糅和了現實與夢想，充滿了自然原始的天真活力。

達 利 達利是盤踞在超現實主義中心的一位恃才傲物的怪傑，與畢加索、米羅三人都啟蒙於西班牙加泰隆尼亞這塊地靈人傑的土地上。其特異獨行的藝術，為本世紀的畫壇增添了許多燦爛光輝。

米 勒 米勒是19世紀寫實主義傑出的代表畫家。他的童年和青年時代都在農村度過，對農村生活和在那裡勞動的人們，有深刻的瞭解和深厚的感情，瞭解他們的了歡樂與痛苦，也分嘗著他們的信仰和偏見，這使得米勒成為偉大的田園畫家。

懷 斯 安德柳·懷斯是美國20世紀最偉大的畫家之一。他描繪美國鄉間自然風土人物的畫作，以精緻逼真的寫實風格，表現了人與大自然的交流與調和，樸實的題材，引發人們懷念鄉土與自然的情思。

雷諾阿 雷諾阿是著名的印象派大畫家。他的繪畫在追求光的感覺中，用鮮明麗透明的色彩，將古典傳統和印象派繪畫做了最完善的結合。不論是豐腴的女人、天真的孩子童，還是陽光照耀下人浴女，在雷諾阿的畫筆之下，都充滿了溫暖、鮮明、迷人的夢幻般魅力。

夏加爾 夏加爾是20世紀極具親和力的大畫家。猶太血統、生於俄國，入籍法國的夏加爾，不但追求天真純樸，並感性地面對生命、愛情與藝術。

莫迪利阿尼 蒙巴納斯王子”莫迪利阿尼只活了三十六歲。他出生於羅馬猶太名門，一生追求禮讚生命與情愛，猶太人特有的敏感及意大利藝術的傳統與根源均影響他的畫作及石雕作品。

康丁斯基 1910年，具有東方血統(祖母為蒙古公主)的康丁斯基畫下了美術史上第一幅純粹抽象畫。三十歲才立志學畫的康丁斯基，很少停留在固定的繪畫模式中，總是不斷思考、審視、推進自己的創作，

柯 羅 在法國藝術史上，柯羅是19世紀最出色的風景畫家，與17世紀的普桑及克勞德·洛蘭同稱法國三大風景畫家。柯羅的風景畫朦朧而富有詩意，無論是早晨清新柔和的光線，還是黃昏灑滿一地黃金的湖光山色，美麗的夢中桃花源景緻都令人為之嚮往。

米 羅 出生於西班牙巴塞羅那的米羅，早期藝術受塞尚影響極深，在經歷立體派、超現實主義的洗禮後，發展成自己獨特的風格。本書收集了米羅早期作品，及“荷蘭室內”、“星座”等系列代......

什麼叫中國畫的筆墨結構和筆墨關係

中國畫的筆墨結構之美在於蘊含著豐富的筆墨精神，反過來中國畫的筆墨精神又通過精妙的筆墨結構之美得以體現，二者的相互依存共同構成中國畫的核心。

時下談筆墨結構，好注重筆墨技法，而忽略了它的核心精神。

談中國畫的筆墨結構離不開筆墨精神，論中國畫的筆墨精神也離不開筆墨結構，如果把筆墨結構比喻成“骨、肉、血”，那麼筆墨精神就是它的“精、氣、神”。再通俗點用“活生生的人”來做比喻，離開了筆墨精神的筆墨結構就好似“植物人”，沒有了思想，沒有了意識，其實已經不是真正意義上的“人”了；離開了筆墨結構的筆墨精神就像是傳說中人的“靈魂”，看不見，摸不著，亦不復存在。

筆墨結構與筆墨精神相輔相承，相互依存，當它們承載著畫家的思想，成功地合二為一，躍然紙上，向觀者傳遞著畫家情懷時，評論家謂其“氣韻生動”，鑑定家謂其“貫氣”“開門”，大眾百姓謂其“動人”。

筆墨精神體現了人格品位，也體現了人的修養和氣質，更是品評字畫的重要依據之一，對它的理解應該上升到中國文化的高度。

作為中國畫表現與傳達美的基本繪畫語言，筆墨結構和筆墨精神具有以下五個特點：

1、靈活的結構性

筆墨結構是畫家抽象的思想感情和畫家風格特性具體載體，筆與筆、墨與墨、筆與墨的排列、組合即結構。

筆墨結構有著很大的靈活性，從小處著眼——筆墨結構是指筆墨在皴、點、染中的起承轉折，點、線、面的相互關聯；從大處著眼——筆墨結構是指筆墨在畫面經營、位置佈勢中的安排，包括色墨、開合、留白、虛實、呼應、避讓，以及題款、印章等。畫家完全可以依據自身掌握的技法，個人的性情、修養、審美，運用大小著眼點間完美、自由、靈活的組合，描摹自然物像，賦予精神內涵，構建了作品的整體氣韻、風格與情感。

於是不同的畫家會向我們傳統出不同的情感，比如看八大山人的作品，觀者絕對不會感受到欣欣向榮，而是悲悽和憤痕，曾經有同學說，他從八大的作品中感受到的分明是“怯”，雖與眾議不同，然而細細品來，覺得不無道理，這就是藝術作用於不同人的不同感受。

2、穩定的程式性

每個人在主觀情感與客觀現象相碰撞時，都會有表達的衝動，有的用文字，有的用聲音，有的用行動，有的用畫筆，只有當智者、藝術家或天生有稟賦的人，找到一種能凝結情感的客觀表達方式，並經他們的不斷完善時，一種高雅藝術才能誕生。用文字表達的人成了文學家，用聲音表達的人成了音樂家，用行動表達的人成了舞蹈家，用畫筆表達的人成了畫家。

無論哪門哪派藝術都講究一定的格式和法度，同樣中國畫的筆墨結構也有著穩定的程式性，它是筆墨結構歷經千年發展，逐漸沉澱規範化的結果，不講程式的筆墨不亞於胡塗亂抹。

程式是筆墨的載體，是歷經祖祖輩輩畫家總結出來的，比如《芥子園畫傳》，有一種穩定的有規律的技法美，類似於太極拳的一招一式，京劇的一板一眼，無不演繹著和諧與自然，儘管它是固化的、傳承的，但卻根植於華夏文明中，顯示著我們民族的特色。

程式具有很高的穩定性，但隨著對象與創作者的變化，它也會在發展變化，是有一定振幅，不斷向前的，如果將其死死地固化，就會失去生命活力；但若把筆墨程式視為筆墨枷鎖，全盤拋棄，或以西畫方法代替它，又將導致筆墨和中國畫本性的迷失和消亡。

真正的美是不會過時的，經過千百年的發展，千百年淘汰、選擇的中國畫筆墨程式美是永恆的和有生命力的，它不是照相式的模擬，是主客觀因素相互作用下的，一種具有對應關係的藝術提煉與昇華。

3、廣大的表現力

筆墨是中國畫的語言，歷代畫家在長期藝術實踐中積累和創造了豐富的中國畫......

畫家裡的平面圖要用那些圖例

最基本的，門窗，桌椅，報紙上那些賣房子的，都有平面圖，你做的是哪一種的，要是以建築結構為主，圖例少一點，要是詳細的，自己傢什鄲都要畫進去，圖例就會多一點，櫃子，茶几，沙發，椅子，寫字檯，基本的傢俱都要有，檯燈花瓶以及裝飾什麼的那些就不用了。

誰能告訴我這副畫畫的是什麼意思？

這是一幅油畫，最近在西方社會以及網絡世界引發的口水已經比畫家所用的顏料多出千倍。畫家是劉溢，一個去了加拿大的中國人。20005年3月6日紐約一個畫展據說展出了次畫，引起了很多猜測，因為畫作的題目是：“2008·北京”。

這張圖很有意思，名字叫北京2008，畫的卻是四個女人打麻將，顯然有隱藏得很深的含義在裡面。

我試做一下分析，講下自己的看法：

正面下方背後有文身的亞裔女子，應該是中國了。

左手打牌打得聚精會神的，是日本。

穿著上衣側頭的是美國。

躺著的，是俄羅斯。

旁邊站著的小女孩，是臺灣。

中國碰了“東風”，是何含義？可能是兩層意思：一是中國借了東風在崛起；二是“東風導彈”是中國已經擺在檯面上的有力武器。中國一方面形勢好像不錯，但不知道其他的牌如何，而她又在牌桌下做著小動作。

美國一副成竹在胸的樣子，看著臺灣，表情很耐人尋味，一方面是想從臺灣的表情裡讀懂些什麼，一方面眼神又在給臺灣做暗示。

俄羅斯一副漠不關心的樣子，其實不然。一邊腳勾搭著美國，一邊在給中國遞牌，兩國可以說是在暗中互相交換利益。

日本人一本正經看著自己的那副牌，全然不知道別人在做些什麼動作，只顧著打著自己的牌。

臺灣身穿紅肚兜，可能意思是中華文明的最後真正繼承者，臺灣一手拿著水果一手拿著水果刀，表情陰鬱而憤恨得看著中國，但沒辦法，他不入局，無論最終誰勝利，他都只能幫別人切水果。

窗完河邊烏雲密佈，應該是暗示海峽兩岸局勢危機，一觸即發了。

牆上的掛象很有意思，孫中山的鬍子，蔣介石的光頭，毛澤東的長相。

這四個女子的著裝也很有意思。

中國光著上身，下邊一條裙子一條內褲。

美國一件外套一件內衣，下身卻光著。

俄羅斯只剩一條內褲了。

日本已經什麼都不剩了。

這也是各國局勢的寫照。

美國衣著看上去最整齊，實力也最強大，其他幾人均有點衣不蔽體，但美國貌似光鮮，但卻其實已經暴露了自己的底線，而中國和俄羅斯雖然貌似赤裸，但關鍵陰私卻藏住了。

假設這局牌是賭脫衣服的，誰輸了誰脫。

這一局牌打下來，中國輸，則淪落到如今俄羅斯的地步，（跟蘇聯解體情況相當）

美國輸，也會淪落到俄羅斯的地步，

俄羅斯再輸，則徹底淪落到一無所有，

而日本，其實已經一無所有了，俄羅斯貌似相公，在陪打，其實俄羅斯是在和中國換牌，真正的陪打是日本，因為她已經沒東西可輸了，而且一輸就立刻出局了。

總結一下：美國最假正經，看上去最光鮮，但其實危機不小。如果打輸這一局，他就得交出霸主的地位。

俄羅斯兩邊勾搭，最是陰險狡詐，情況有點類似解放後的中國，一會倒向蘇聯一會倒向美國，因為自身實力不濟，只能在兩邊搖擺以求得生存和發展。

中國的牌有太多看不見了，說明中國隱藏了很多實力？而且桌面下又和俄羅斯在換牌，而美國人卻只能從臺灣的表情上去揣測中國和俄羅斯干了些什麼，日本人則一無所知，繼續打著自己的牌，中國的牌最深不可測。

日本：別人在搞這麼多動作，他基本沒有贏的可能，而且一輸的話立刻出局。

臺灣：她冷眼旁觀，桌上這些人在搞什麼她都看見了，心裡也清楚，可是她沒有入局的資格和能力，也沒有話語權，心懷不滿也無濟於事，只能做你的丫頭，給勝利者獻上你的水果。

勝利者應該在中國和美國之間產生，這個懸念不大。但要看清楚，美國儘管實力強，但她們玩的是中國麻將，不是西方撲克，按中國人的規矩玩牌，美國人的成算又有多少？

不過有兩點不太明白：

1、貌似小女孩手中的水果刀映出了俄羅斯的牌，日本看見了在偷笑，很自得其樂，這說明什麼？

2、中國的文身上面是鳳凰，沒什麼問題，腰上的文身是什麼含義？

總......

畫家是怎麼把物體畫的真實的

寫實繪畫的基本原理是透視原理。

其表現在兩個方面，一個是形體透視，還有一個是色彩透視。

1.形體透視即對物體輪廓，透視變形，內部結構的描述，這個就是一般美術教育中結構的理論。

2.另一個是色彩透視，就是關於現實世界中光的體現，色彩的冷暖，色彩的樣貌，都能如實反映三維世界。

寫實繪畫是在二維平面表現三維立體，這個根本矛盾要通過透視的方法來解決。

如果不是美術專業的，可以參考達芬奇編著的《透視學》。以及其他資料。

不懂可以繼續提問我。

國畫畫什麼最簡單?

相對西洋畫來說，中國畫有著自己明顯的特徵。傳統的中國畫不講焦點透視，不強調自然界對於物體的光色變化，不拘泥於物體外表的肖似，而多強調抒發作者的主觀情趣。中國畫講求“以形寫神”，追求一種“妙在似與不似之間”的感覺：而西洋畫呢？則講求“以形寫形”，當然，創作的過程中，也注重“神”的表現。但它非常講究畫面的整體、概括。有人說，西洋畫是“再現”的藝術，中國畫是“表現”的藝術，這是不無道理的。

中國畫與西洋畫相比有著自己獨特的特徵，還表現在其藝術手法、藝術分科、構圖、用筆、用墨、敷色等多個方面。按照藝術的手法來分，中國畫可分為工筆、寫意和兼工帶寫三種形式。工筆就是用畫筆工整細緻，敷色層層渲染，細節明徹入微，用極其細膩的筆觸描繪物象，故稱“工筆”。而寫意呢？相對“工筆”而言，用豪放簡練的筆墨描繪物象的形神，抒發作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少勝多的含蓄意境，落筆要準確，運筆要熟練，要能得心應手，意到筆到。兼工帶寫的形式則是把工筆和寫意這兩種方法進行綜合的運用。

從藝術的分科來看，中國畫可分為人物、山水、花鳥三大畫科，它主要是以描繪對象的不同來劃分的。而中國畫中的畜獸、鞍馬、昆蟲、蔬果等畫可分別歸入此三類。

中國畫在構圖、用筆、用墨、敷色等方面，也都有自己的特點。中國畫的構圖一般不遵循西洋畫的黃金律，而是或作長卷，或作立軸，長寬比例是“失調”的。但它能夠很好表現特殊的意境和畫者的主觀情趣。同時，在透視的方法上，中國畫與西洋畫也是不一樣的。透視是繪畫的術語，就是在作畫的時候，把一切物體正確地在平面上表現出來，使之有遠近高低的空間感和立體感，這種方法就叫透視。因透視的現象是近大遠小，所以也常常稱作“遠近法”。西洋畫一般是用焦點透視，這就像照相一樣，固定在一個立腳點，受到空間的侷限，攝入鏡頭的就如實照下來，否則就照不下來。中國畫就不一定固定在一個立腳點作畫，也不受固定視域的侷限，它可以根據畫者的感受和需要，使立腳點移動作畫，把見得到的和見不到的景物統統攝入自己的畫面。這種透視的方法，叫做散點透視或多點透視。如我們所熟知的北宋名畫、張擇端的《清明上河圖》，用的就是散點透視法。《清明上河圖》反映的是北宋都城汴梁內外豐富複雜、氣象萬千的景象。它以汴河為中心，從遠處的郊野畫到熱鬧的“虹橋”；觀者既能看到城內，又可看到郊野；既看得到橋上的行人，又看得到橋下的船；既看得到近處的樓臺樹木，又看得到遠處縱深的街道與河港。而且無論站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋畫焦點透機的方法去畫，許多地方是根本無法畫出來的。這是中國的古代畫家們根據內容和藝術表現的需要而創造出來的獨特的透視方法。

在用筆和用墨方面，是中國畫造型的重要部分。用筆講求粗細、疾徐、頓挫、轉折、方圓等變化，以表現物體的質感。一般來說，起筆和止筆都要用力，力腕宜挺，中間氣不可斷，住筆不可輕挑。用筆時力輕則浮，力重則飩，疾運則滑，徐運則滯，偏用則薄，正用則板。要做到曲行如弓，直行如尺，這都是用筆之意。古人總結有勾線十八描，可以說是中國畫用筆的經驗總結。而對於用墨，則講求皴、擦、點、染交互為用，幹、溼、濃、淡合理調配，以塑造型體，烘染氣氛。一般說來，中國畫的用墨之妙，在於濃淡相生，全濃全淡都沒有精神，必須有濃有淡，濃處須精彩而不滯，淡處須靈秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之經驗，亦有惜墨如金的畫風。用墨還要有濃談相生相融，做到濃中有淡，淡中有濃；濃要有最濃與次濃，淡要有稍談與更淡，這都是中國畫的靈活用筆之法。由於中國畫與書法在工具及運筆方面有許多共同之處，二者結下了不解之緣，古人早有......

梵高是什麼派的畫家

後印象派。 ——相關資料——　後印象派（Post-Impressionism），從印象派發展而來的一種西方油畫流派。在十九世紀末，許多曾受到印象主義鼓舞的藝術家開始反對印象派，他們不滿足於刻板片面的追求光色，強調作品要抒發藝術家的自我感受和主觀感情，於是開始嘗試對色彩及形體表現性因素的自覺運用，後印象派從此誕生。

後印象派將形式主義藝術發揮到極致，幾乎不顧及任何題材和內容。

在藝術表現上，後印象派更加強調構成關係，認為藝術形象要異於生活的物象，用作者的主觀感情去改造客觀物象，要表現出“主觀化了的客觀”。他們在尊重印象派光色成就的同時，不是片面追求外光，而是側重於表現物質的具體性、穩定性和內在結構。後印象派的繪畫對現代諸流派的發展有著重大的影響，直接導致了結構主義的誕生。

塞尚的畫甚至不顧及透視和人體解剖，只是用各種色塊堆積成一個個似是而非的形態；點彩畫派正相反，他們認為色彩是逐漸過渡的，所以用一個個色點堆砌，即使是一片藍天，也要用各種藍色色點堆積。後印象派為現代油畫的發展起到了奠基的作用。文森特·梵高也是後印象派的代表人物之一。

代表人物

文森特·梵高

塞尚

高更

哪個畫家通過學習屍體的構造來提高自己畫人體的能力

達芬奇，據說他總是夜半時分到墓地去偷屍體，然後帶回去解剖，研究人體內部構造，完後再偷偷把屍體埋回去。他當時都是很小心的去做，儘量不被發現，而且他當時已經是赫赫有名的畫家了，所以沒有被教會處理。這是許多人熟悉的一幅畫面：一個裸體的健壯中年男子，兩臂微斜上舉，兩腿叉開，以他的頭、足和手指各為端點，正好外接一個圓形。同時在畫中清楚可見疊著另一幅圖像：男子兩臂平伸站立，以他的頭、足和手指各為端點，正好外接一個正方形。這就是名畫《維特魯威人》（Homo Vitruvianus），出自文藝復興藝術巨匠達· 芬奇之手，畫名是根據古羅馬傑出的建築家維特魯威（Vitruvii）的名字取的，該建築家在他的著作《建築十書》中曾盛讚人體比例和黃金分割。

關於維特魯威的生平、建築活動，因史料所限已難考證。僅從《建築十書》的零星記載知道，維特魯威出身富有家庭，受過良好的文化和工程技術方面的教育，熟悉希臘語，能直接閱讀有關文獻。他的學識淵博，通曉建築、市政、機械和軍工等項技術，也鑽研過幾何學、物理學、天文學、哲學、歷史、美學、音樂等方面的知識。他先後為兩代統治者愷撒和奧古斯都服務過，任建築師和工程師，因建築著作而受到嘉獎。

“人體中自然的中心點是肚臍。因為如果人把手腳張開，作仰臥姿勢，然後以他的肚臍為中心用圓規畫出一個圓，那麼他的手指和腳趾就會與圓周接觸。不僅可以在人體中這樣地畫出圓形，而且可以在人體中畫出方形。即如果由腳底量到頭頂，並把這一量度移到張開的兩手，那麼就會發現高和寬相等，恰似平面上用直尺確定方形一樣。”

“維特魯威人”也是達芬奇以比例最精準的男性為藍本，因此後世也常以“完美比例”來形容當中的男性。

黃金分割率又稱PHI，它的值為1.618。很多藝術家在創作其作品時都有意識地，嚴格地遵循了黃金分割率。比如說希臘巴特農神殿，埃及金字塔甚至紐約聯合國大樓在建築設計中所運用的黃金分割率。PHI還被運用在莫扎特的奏鳴曲，貝多芬的《第五交響曲》以及巴托克，舒伯特等音樂家的創作當中，甚至斯特拉迪瓦里在製造他那有名的小提琴時也運用了黃金分割來確定F形洞的確切位置。

我建議你看哈《達芬奇密碼》這本書，它會給你意外的收穫，它還告訴我們這副畫背後隱藏的祕密。維特魯威人外接的那個圓，是女性的代表符號，它其實隱含著對女性的崇拜......

希望我的解答能對你有幫助。